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Thinking of…Elizabeth Taylor

Elizabeth Rosemond “Liz” Taylor (Londres, 1932 – Los Ángeles, hoy)

Dicen que las estrellas del cine mudo se rebelaron contra las películas sonoras porque no necesitaban más que su rostro para contar todo al espectador.

Aunque Elizabeth Taylor triunfó varias décadas después de que lo hicieran Mary Pickford o Gloria Swanson, su cara y sobre todo sus míticos ojos color violeta decían mucho más que decenas de líneas de diálogo.

La actriz británica, que celebró sus 79 años el pasado febrero, ha fallecido en el hospital Cedars-Sinai de Los Ángeles, donde llevaba dos meses ingresada por problemas cardiovasculares.

Toda una leyenda…

A Elizabeth Taylor Rosmond -Dama del Imperio Británico- no le gustaba nada que la llamaran Liz («¡quien me conoce bien me llama Elizabeth!»), pero fue su diminutivo el que quedó para la leyenda.

Hija de un marchante y de una actriz retirada de Broadway, su familia se instaló en Reino Unido para montar allí una galería de arte.

Aunque la intérprete mantuvo siempre la nacionalidad, en vísperas de la Segunda Guerra Mundial marchó con los suyos a California, la tierra de los sueños que marcó su vida.

El deseo de su madre por ver su quimera cumplida -ella abandonó los escenarios al casarse- y el consejo de un vecino que apreció la belleza extrema de la pequeña Elizabeth hicieron el resto.

La niña fue a una prueba y filmó su primera película, ‘Hombre y ratón’ (1939), con sólo siete años.

En total, rodó más de 50 films.

Comenzó con la célebre perrita Lassie, se preocupó por su nariz como la coqueta Amy de ‘Mujercitas’ (1950), rompió el corazón de su ‘padre’ Spencer Tracy al pasar por el altar en ‘El padre de la novia’ (1950) y fue la enamorada de Robert Taylor en ‘Ivanhoe’ (1952).

Pero el papel de Leslie Benedict en Gigante’ (1956) le dio la fama absoluta y a uno de sus mejores amigos, Rock Hudson.

Precisamente fue la muerte por el SIDA del actor en 1985 la que hizo que se convirtiera en un baluarte en la lucha contra la enfermedad.

El mito se multiplicó con la Maggie que se rebela contra los desplantes de su marido en ‘La gata sobre el tejado de zinc’ (1950).

Quién olvida aquel «No vivo contigo. Ocupamos la misma jaula, eso es todo», junto a los otros ojos de Hollywood, Paul Newman.

Estuvo nominada durante cuatro años consecutivos a los Oscar como Mejor Actriz -a partir de 1957 con ‘El Árbol de la Vida’. Un récord que sólo el actor Marlon Brando ostentó.

Con ‘Una Mujer Marcada’ (1960), Elizabeth Taylor se llevaría su primer Óscar a la mejor actriz, y su status de estrella quedó reforzado con la película más cara en la historia hasta entonces: ‘Cleopatra’ (1963).

Con esta película se convirtió en la primera actriz que se embolsó la impresionante cifra de un millón de dólares de aquel año.

Elizabeth Taylor y Richard Burton -ambos casados-, se enamoraron y escribieron una de las historias de amor más pasionales del cine.

Hasta el Vaticano protestó por el adulterio. Cuando Taylor tenía 31 años, convirtió a Burton en su quinto marido y, después de su sonado divorcio, en el sexto.

Llegó a casarse hasta ocho veces.

Con Richard Burton protagonizó ‘¿Quién teme a Virginia Woolf?’ (1966), con el que obtuvo su segundo Oscar.

Los 70 iniciaron su declive profesional y los 80 su implicación en proyectos benéficos.

Sería galardonada con el Premio Príncipe de Asturias de la Concordia en 1992. Además ese mismo año participó en el concierto en tributo a Freddie Mercury, hablando acerca de la prevención necesaria para combatir el SIDA.

Su estrella nunca se apagó.

Su complicidad con la cámara era parecida a la de las últimas leyendas supervivientes de las estrellas del cine clásico como Sophia LorenLauren BacallBrigitte Bardot.

En los últimos años, en sus escasas apariciones públicas, iba en silla de ruedas pero tenía la presencia de la diva que era. Con las joyas, los ropajes y el maquillaje propios de otra época.

Y con la rebeldía que siempre la caracterizó. No quiso participar el funeral-espectáculo de su amigo Michael Jackson en el Staples Center, pero se sentó en primera fila en el homenaje más íntimo.

Encontró, además, la manera de comunicarse con sus fieles. Antes de que los medios anunciaran una de sus operaciones, Liz lo comunicó vía Twitter«Queridos amigos, me gustaría haceros saber antes de que esté en los periódicos que me voy al hospital para una operación en mi corazón. Os haré saber cuando esto esté acabado. Con amor, Elizabeth».

Sus imponentes ojos azules con destellos violetas se han cerrado para siempre.

Su última entrevista en Harper’s BAZAAR

© Iñigo Ortiz de Guzmán

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Con B, de Barbra Streisand

Barbra Streisand– NYC Brooklyn (1942)

Artista polifacética: actriz, directora de cine, productora, compositora y guionista, pero -sobre todo- cantante.

Una mujer del siglo XX que, como CherFrida Kahlo o Björk, ha demostrado su valía, su autenticidad y su singularidad. En definitiva, eso que se llama ser único.

Judía de pensamiento y su perfil aguileño la han caracterizado desde que comenzara sus primeros pinitos en el mundo cinematográfico, allá por los años 60.

Es la mujer que ha vendido más álbumes en la historia y la que ha situado más discos entre los diez primeros, por encima de Elvis Presley y The Beatles.

A lo largo de su carrera, Streisand ha conseguido 50 discos de oro, 30 de platino y 13 multiplatinos.

Vamos, que casi nada se le ha resistido.

Ha ganado dos Oscar (Mejor Actriz y Mejor Canción), cinco Emmy, 11 Golden Globes, 10 Grammy y 1 Tony.

Además tiene el premio American Film Institute a toda una carrera, la medalla Nacional de América de las Artes y la Legión de Honor francesa.

En diciembre de 2008 fue la primera mujer directora en recibir el prestigioso Kennedy Center Honor.

SUS COMIENZOS

En marzo de 1962, el musical I Can Get It for You Wholesale’ supuso el debut en Broadway de Barbra Streisand con tan solo 19 años; quien fue nominada al Premio Tony de teatro como mejor actriz de reparto -que no consiguió- pero sí, el prestigioso New York Drama Critics’ Circle Award.

La historia se sitúa en Nueva York en 1937, durante la Gran Depresión, y las canciones utilizan las armonías tradicionales judías evocadoras del periodo en el que se localiza el espectáculo.

Goddard Lieberson, productor y presidente de la Columbia Records, quedó tan fascinado con Barbra por su trabajo en teatro, sus intervenciones en televisión y sus actuaciones en clubes, que cedió a la presión de su mánager Marty Erlichmann (todavía hoy es su representante), en la única cláusula que importaba a Barbra: “absoluto control artístico” sobre la elección del material musical, algo sin precedentes hasta ese entonces en la industria discográfica.

The Barbra Streisand Album es el título del álbum de estudio debut de Streisand en solitario.

Editado en febrero de 1963, contiene once temas de los que solía interpretar en los clubes nocturnos.

‘Happy Days Are Here Again’ fue su primer single, un clásico; al igual que Cry me a River’, ‘He touched me’:

En junio de ese mismo año, grabó The Second Barbra Streisand Album que llegó al número 2 de Billboard. Continuó con la fórmula de grabar principalmente temas de su repertorio de actuaciones en directo.

En enero de 1964, ya metida de lleno en los ensayos de Funny Girl, grabó The Third Album.

El filme “Funny Girl”(de Jule Styne) fue un éxito rotundo desde el momento de su estreno el 26 de marzo de 1964.

Uno de los musicales más populares de la historia del cine, relata los primeros años en la carrera de la actriz cómica Fanny Brice, un papel por el que Barbra Streisand consiguió el Oscar a la Mejor Actriz en 1968, compartiéndolo con Katharine Hepburn por “El león en invierno” (Lion In Winter).

La primera vez en la historia que se producía un empate en esta categoría de los premios.

Fanny obtuvo su primer gran éxito en el Keeney’s Music Hall; gracias a su divertido debut como una de las patinadoras del coro. Un años después empieza a trabajar en el famoso Follies, donde se convertirá en una estrella, enamorándose de Nick Arnstei, un jugador empedernido sin demasiada suerte. Entre los muchos números musicales de la película que perduran en la memoria está ‘People’, un tema clásico de Barbra Streisand.

Para hacerse una idea del alcance de su éxito, Barbra fue portada de las revistas más aclamadas del momento: TIME y LIFE.

La obra se mantuvo en cartel con Barbra como protagonista durante casi dos años.

Con este trabajo, obtuvo 3 premios Grammy, entre ellos el de Mejor Interpretación Femenina.

Desde entonces, Barbra, no ha vuelto a actuar en ninguna otra obra de teatro.

En octubre de 1964, se editó ‘People’.

El álbum fue su primer número 1 en USA, desbancando a los Beatles y manteniéndose en esa posición durante 5 semanas.

 

 

TELEVISIÓN y MÁS DISCOS

Barbra había aparecido innumerables ocasiones en programas de televisión entre 1961 y 1963, a veces como cantante y otras como excéntrica tertuliana.

La última vez que apareció como cantante fue en octubre de 1963 en The Judy Garland Show. Unas interpretaciones y unas colaboraciones con Judy que dejaron huella en este medio. Sorprendentemente, y por primera vez en la historia, una artista invitada fue nominada al Emmy por la Mejor Interpretación de Variedades.

Su primer especial de televisión para la CBS fue My Name is Barbra en 1965; programa que catapultó su éxito a escala nacional, dándola a conocer como cantante y actriz, proporcionándole más reconocimiento de crítica.

En este disco se incluye una extraordinaria versión de ‘My Man’.

En marzo de 1966 se emite ‘Color Me, Barbra’, siguiendo la fórmula de ‘One Woman Show’, alcanzando un éxito igual al de su predecesor. El álbum llegó al número 3 de las listas de éxitos.

ESTRELLATO CINEMATOGRÁFICO

Tras “Funny Girl” (1968), al año siguiente Barbra Streisand protagoniza uno de los más grandes musicales de todos los tiempos: “Hello, Dolly”.

A partir de un guión de Jerry Herman y dirigida por Gene Kelly, Barbra Streisand protagoniza otro de los más grandes musicales de todos los tiempos.

En Nueva York de principios de siglo, Dolly es la irresistible celestina que no se detendrá hasta asegurar su futuro con el más rico comerciante.

Esta superproducción cuenta con el vestuario de Cecil Barton y las inolvidables canciones de Jerry Herman.

LA BARBRA MODERNA

En 1969 funda, junto a Paul NewmanSidney Poitier, la productora FIRST ARTIST, con el objeto de garantizar la realización de proyectos que los grandes estudios hubieran rechazado. En 1971 se unió Steve McQueen, y en 1976 Dustin Hoffman.

En febrero de 1970 se editó Barbra Streisand’s Greatest Hits que sólo alcanzó el puesto 32.

Para entonces, los gustos musicales habían cambiado drásticamente y Barbra ya no estaba vendiendo discos aunque, estaba trabajando en su transformación…

Su cuarta película, The Owl and The Pussycat” (1970), fue su primer papel “contemporáneo” y no musical en el cine.

En 1972 protagoniza junto a Ryan O’Neal la alocada comedia de Peter Bogdanovich “¿Qué me pasa, doctor?” (What’s Up, Doc?”), que se ha convertido en un clásico de las comedias americanas.

Judy (Barbra Streisand) y Howard (Ryan O’Neal) se encuentran en el hall de un hotel de San Francisco portando idénticas bolsas de viaje. Para mayor confusión, otros dos huéspedes del mismo hotel viajan con las mismas maletas. Las cuatro maletas se confunden estallando un divertidísimo caos que incluye una de las persecuciones por San Francisco más divertidas jamás filmadas.


Su trabajo en 1973 en el drama romántico “Tal como éramos” (“The Way We Were”) junto a Robert Redford y dirigida por Sydney Pollack le proporcionó un gran éxito de crítica y una segunda nominación al Óscar.

La estupenda banda sonora de Marvin Hamlish alcanzó el número 20, y el álbum -publicado en febrero de 1974 con el mismo título y con temas de Stevie Wonder, Carole King, Paul Simon y Michel Legrand- catapultó a Streisand nuevamente hasta el número 1.

En 1975 presentaFunny Lady” (secuela de “Funny Girl”), junto a James Caan, y dirigida por Herbert Ross.

“Ha nacido una estrella” se convirtió en la película más taquillera en la carrera de Streisand como protagonista.

Fue la segunda película en el Box Office de ese año, después de “Rocky”.

El film mostraba a una Streisand sexy y moderna además de tener un control sin precedentes detrás de la cámara como productora ejecutiva.

Barbra recibe su segundo Óscar, esta vez como compositora de ‘Evergreen’ como Mejor Canción Original, convirtiéndose en la primera mujer en la historia en recibir este premio.

GUILTY

En septiembre de 1980, publicó un álbum de estudio titulado ‘Guilty’.

El disco fue un extraordinario éxito musical y de crítica, que alcanzó casi instantáneamente el #1 en Estados Unidos y en todos los países en donde fue lanzado.

Fue certificado con cinco discos de platino en EE.UU y ha vendido más de 20 millones de copias en todo el mundo, siendo el disco más vendido en la carrera de Streisand.

En 1981, ganó junto al cantautor Barry Gibb -integrante del grupo Bee Gees- el Premio Grammy a la mejor actuación de un dúo o grupo pop por el sencillo homónimo.

El primer sencillo fue ‘Woman in Love’, el sencillo más exitoso de toda su carrera, que llegó a la posición #1 de Billboard Hot 100, donde se mantuvo durante tres semanas.

Curiosamente, Barbra nunca ha interpretado este tema en directo.

El álbum también incluye otros sencillos que se convirtieron en éxito en Estados Unidos y otras partes del mundo, como ‘What Kind of Fool’, que interpretó a dúo con Barry.

Desde 1980, Streisand, estaba inmersa en la preproducción de “Yentl”.

El año siguiente no tenía tiempo de grabar ningún disco. Mientras estaba en Londres preparando su debut detrás de la cámara, grabó la canción ‘Memory’ de la famosa obra musical ‘Cats’ y ‘Comin In And Out Of Your Life’.

Ambos temas solamente llegaron hasta el número 18 de las listas, pero ‘Memory’ se ha convertido con el tiempo en un clásico de Streisand aunque ha sido interpretado por multitud de cantantes.

En 1982, el crítico del New York Times, Stephen Holden, escribiría que Streisand era “la cantante más influyente en la música americana desde Frank Sinatra“.

YENTL

En 1983 produjo, dirigió, escribió y protagonizó “Yentl. Sin duda, la obra maestra -según mi opinión- de Barbra Streisand en toda su carrera cinematográfica.

“En una época en la que el mundo académico estaba reservado exclusivamente a los varones, vivía una joven llamada Yentl…” Sobre esta premisa se basa esta bella fábula de amor.

La película está ambientada en Europa del Este a principios del siglo XX.

Yentl, es una joven inteligente y decidida que se ve obligada a hacerse pasar por un chico para satisfacer su amor por el conocimiento, y que acaba conociendo así un nuevo tipo de amor…

La pasión de Streisand por el proyecto es evidente en cada toma, realzada por una dirección artística de lujo que mereció una nominación para el Oscar, por una magnífica fotografía y por la vibrante interpretación de Streisand del tema musical, galardonada con un Oscar a la Mejor Canción.

Steven Spielberg calificó “Yentl” de obra maestra: uno de los debuts más dinámicos en la dirección desde el Ciudadano Kane de Welles“.

Y muchos críticos alabaron la película, pero la Academia ignoró a la nueva directora a la hora de las candidaturas a los premios Óscar más importantes.

Años después, en 1991 se produjo una gran controversia cuando “El príncipe de las mareas” (The Prince of Tides”) obtuvo siete candidaturas para varias categorías, incluida la de mejor película y, sin embargo, Streisand no fue nominada como mejor directora.

Algunas opiniones lo achacaron a su bien conocido temperamento duro e intransigente, mientras otros pensaban que Hollywood la castigaba por ser mujer, ya que de haber sido hombre, incluso con el mismo temperamento, se lo hubieran concedido.

Desde entonces, ha protagonizado tres películas más.

 

SIGLO XXI

Streisand ayudó considerablemente a Bill Clinton a llegar a la presidencia involucrándose como nunca recaudando fondos para la campaña electoral. Barbra Streisand fue la piedra angular en la gala inaugural el 20 de enero de 1992.

En septiembre de 1993, Streisand fue el centro de las noticias en el mundo al anunciar su primer tour en 27 años.

Los tickets para este tour limitado se vendieron en una hora. Esto hizo que Barbra fuera portada de las revistas más conocidas. La revista Time llegó a calificarlo como “el evento musical del siglo”.

La gira fue una de las más rentables en la historia del mundo del espectáculo. Los precios oscilaban entre los 50 y los 1.500 dólares, convirtiendo a Barbra en la intérprete mejor pagada en la historia. Barbra Streisand: The Concert consiguió 5 premios Emmy; la grabación del concierto ofrecido por la cadena HBO es, hasta hoy, el concierto más visto en los 30 años de historia de esta cadena.

Estuvo casada con el actor Elliott Gould de 1963 a 1971, con quien tuvo su único hijo, Jason Gould (que hace el papel de su hijo también en “El Príncipe de las Mareas”). En la actualidad, y desde 1998 está casada con con el actor y también director James Brolin.

En 1993, Barbra Streisand cumple uno de sus máximos sueños al grabar una canción a dúo con Frank Sinatra:I’ve Got a Crush on You’, para el disco Duets del veterano cantante, que se convertiría en su mayor éxito de ventas.

En la Nochevieja de 1999, volvió al escenario para dar el concierto con más recaudación en la historia de Las Vegas.

En septiembre de 2000, Streisand anunció que se retiraba de los conciertos dando cuatro últimos espectáculos, dos en Los Ángeles y dos en Nueva York.

Cuatro años más tarde, Streisand reapareció en la gran pantalla coprotagonizando la comedia Los padres de él”, con Dustin Hoffman, Ben Stiller y Robert De Niro.

En febrero de 2006, Barbra grabó la canción ‘Smile’ junto con Tony Bennett en el estudio de grabación que la artista tiene en su casa de Malibú.

La canción formó parte del álbum por el octogésimo cumpleaños de Bennett.

Y, lo último de lo último en hacer en el panorama musical fue hace poco más de un año.

En septiembre de 2009 publica Love is the answer’, un álbum producido por Diana Krall y en el que recoge grandes clásicos del jazz.

Lo que se ha visto y se ve viendo es que la estela de Barbra Streisand sigue vigente.

En septiembre de este año, el magazine Harper’s BAZAAR ofrecía en portada una retrospectiva de la vida y obra de la artista.

La ex de Brad Pitt, Jennifer Aniston, se confesó una “súper fan” de Streisand, así que no necesitó muchos ruegos para imitar a uno de sus grandes ídolos.

Para obtener la inspiración necesaria, Aniston, de 41 años, aseguró que durante la sesión fotográfica estuvo escuchando una de las canciones más míticas de de Barbra, ‘People’.

En las imágenes, se puede ver a Aniston con trajes inspirados en el vestuario de dos de las películas más reconocidas de la gran actriz, Una Chica Divertida y¿Qué Me Pasa Doctor?.

Además, aprovechó su amistad con Streisand, de 68 años, para conocer un poco más de cerca a la actriz e inspirarse: “Es increíble, puedes hablar de lo que sea con ella”.

Este mismo fin de semana, la artista neoyorkina acaba de presentar su primer libro. Pero lo que cuenta allí no es la historia de cómo se convirtió en la estrella de “Funny Girl” y ‘The Way We Were’; ni tampoco en cómo ha conseguido vender más de 71 millones de copias en toda su carrera musical.

En su debut como escritora, en cambio, eligió narrar su amor por la arquitectura, el arte, los muebles y el paisajismo.

Pero no hay que dejarse engañar por el título, My Passion for Design (Mi pasión por el diseño).

Y es que entre las páginas del libro la actriz cuenta historias de su vida y su carrera que la influenciaron al idear la casa de sus sueños en Malibu, California.

“Muchas personas me pedían que escribiera mi autobiografía, pero todavía no quiero llegar hasta ahí y ser tan personal. Creo que se entremezcla en mi escritura. Así es como veo el mundo hoy, y lo que es hermoso para mi”.

En los Premios Grammy de 2011. Un reconocimiento a toda su carrera musical.

Porque MUSICISLIFEISMUSIC



Por Iñigo Ortiz de Guzmán

“Tetro” (Francis Ford Coppola)

Desde sus inicios, el cine ha sido visto como una síntesis de varias artes: el teatro, la música, la danza, la fotografía; además de otras manifestaciones que han nutrido al séptimo arte.

Sin embargo, pocos se han atrevido a trabajar con estas artes como elementos de un mismo relato fílmico.

Pocos como el director americano Francis Ford Coppola, que ha sabido darse el lujo de experimentar con diferentes lenguajes.

Con su última obra –“Tetro” (2009)-, también producida y escrita por el autor de películas como “El Padrino” (1972) y “Apocalipsis Now” (1986), Coppola vuelve en cierta medida a sus orígenes, ya que mucho tiene de “Rumble Fish” (1983); film que le dió notoriedad en los inicios de su carrera.

Para el cinco veces ganador de los Oscars el cine es Arte; pero Arte con mayúsculas.

Por eso quizá siempre ha estado enfrentado a las estrechas miras de la industria de Hollywood que, en los últimos años, ha transformado al cine en un producto manufacturero que ha de venderse a las masas aplicando las mismas estrategias de marketing que las que se emplean para vender automóviles.

Para Coppola, no.

Ha tenido que hacer muchos trabajos meramente alimenticios a lo largo de su carrera, y esa insatisfacción artística le llevó a abandonar el cine hace unos doce años para dedicarse al mundo del vino, siendo precisamente en el desarrollo de esa actividad empresarial con la que se ha hecho multimillonario.

Así, ya no necesita mendigar a las grandes compañías de hollywoodienses para que le contraten como director.

Ahora Coppola hace lo que le viene en gana, y decide realizar películas de bajo presupuesto en otros países para plasmar ese cine que esté libre de las cortapisas que impone el cine norteamericano actual.

En “Tetro”, él mismo ha escrito el guión para hacer una obra muy personal, casi autobiográfica, en la que se nos muestran las relaciones familiares entre hermanos y entre padres e hijos. Y es que la película tiene unas resonancias de tragedia griega con elementos edípicos en la que los protagonistas se ven arrastrados por fuerzas irresistibles que les conducen a reproducir la misma maldición de generación en generación: la rivalidad.

Para ello, Coppola se mudó a Argentina, concretamente a La Boca -enclave de inmigrantes italianos- y a los cafés con sabor a tango, política, innovadoras movidas artísticas. Y donde la bohemia porteña se mira a sí misma en los espejos del neorrealismo italiano, con virutas poéticas y surrealistas.

Lo interesante es que estamos ante una propuesta diferente.

Sinopsis:

Tetro es un joven escritor inédito que deja a su familia en los Estados Unidos para vivir en Buenos Aires, ciudad de sus ancestros, inmigrantes italianos de gran talento musical.

Perturbado por la muerte de su madre en un accidente y por la compleja relación con su exitoso y genial padre, pone distancia a sus parientes.

Conoce en un hospital psiquiátrico a Miranda, joven voluntaria que se enamora de él y le ayuda a retornar a las artes como medio de sanación.

La sorpresiva llegada de Bennie, hermano menor de Tetro, revive el conflicto vital que le mantiene en un estado depresivo. Bennie y Miranda conspiran para sacar a Tetro de su letargo.

Pero, cuando Bennie encuentra los manuscritos de una novela en ciernes, y se da a la tarea de transcribirla y transformarla en una obra de teatro, esto lleva a los personajes a develar un secreto de familia que cambiará sus vidas.

Coproducción: EE.UU.-España-Argentina-Italia

El blanco y negro empleado por el genial narrador nos recuerda a grandes películas clásicas del cine americano más dramático.

De esta manera, la historia tiene algo de las obras de Tennessee Williams y de sus muchas adaptaciones cinematográficas realizadas por directores de la talla de Elia Kazan.

Sin embargo, los flash backs aparecen en color transgrediendo la clásica convención de que el pasado ha de representarse siempre en blanco y negro.

En cuanto a los actores, como sucede en toda su filmografía, Coppola suele elegirlos perfectamente.

Esta película tiene mucho de carácter salvaje, como el protagonista elegido, Vincent Gallo (“Arizona Dream”, “Buffalo 66”, “The Brown Bunny”), suavizado y equilibrado por la gran profesional que es Maribel Verdú (“Y tu mamá también”, “El laberinto del Fauno”), y encendido por el sarcástico registro (un tanto grotesco) de Carmen Maura, además del apoyo de los imprescindibles secundarios.

El debutante Alden Ehrenreich tiene algo del Leonardo DiCaprio de los inicios, y por otro lado resulta una gozada disfrutar del trabajo de actores de los de toda la vida como Klaus María Brandauer.

El elemento que constituye todo un guiño al cine latino es la presencia de dos “chicas Almodóvar” en esta película: Verdú y Maura.

La banda sonora posee gran riqueza, en especial cuando la música porteña acompaña a los personajes por las calles del barrio La Boca. BSO

La fotografía de Mihai Malaimare consigue momentos notables mediante el uso del claroscuro y de la sobrexposición.

Tetro es el primer guión original de Francis Ford Coppola en más de 30 años.

¿Lo mejor? Que la historia es profunda, desgarrada; la puesta en escena está bastante trabajada; y las actuaciones de los tres protagonistas inyectan credibilidad al drama.

Lo que -a mi entender- hubiera gustado es un poco de mas velocidad en el desarrollo de la trama.

En todo caso, es recomendable para remojar la vista en otros modos de narrar, para conocer al Coppola maduro influenciado por lo latino, así como para apoyar la exhibición de filmes de arte en salas especialmente diseñadas para ello.

Y una de las frases que aparece en una de las secuencias, merece la pena marcarla, que dice: “No sueltes la soga que ata a mi alma”

Por Iñigo Ortiz de Gzmán