La contaminación ha llegado a todos los rincones del planeta y el ser humano es el principal responsable.
Amenaza nuestros ríos y lagos, nuestro aire, tierra y océanos. Y, en última instancia, a nosotros mismos y nuestro futuro.
GREENPEACE España avisa:
En nuestra sangre hay más de 300 sustancias químicas sintéticas que no tenían nuestros abuelos; la contaminación atmosférica provoca al año 16.000 muertes prematuras en nuestro país.
Pero es que además al año se vierten al agua más de 4,6 millones de toneladas de contaminantes; y sólo se recupera el 13,1% de los residuos (el 86,9% va a vertederos y a incineradoras).
El corto de animación ‘Contaminemos’ trata precisamente de eso: de cómo la polución es nuestra herencia y lo que hace crecer la economía. Todo hecho desde un punto de vista más bien satírico; a ver si así nos paramos un poco a pensar…
¿Necesitamos producir más para ser más felices?
¿Por qué esa «cultura de la posesión«? Y, ¿qué decir de nuestra conciencia?
Los Simpson y SouthPark se han caracterizado siempre por sus historias hilarantes aparte de por su diseño. De eso, algo habrá…
Sin embargo, acabo de descubrir otra manera de narrar, de mostrar cómo con unos trazos audiovisuales y gráficos las buenas historias siguen siendo todavía hoy posibles. De tener éxito al margen de gigantes como Disney, Pixar o Dreamworks.
Son los Plymptoons– la página web del animador independiente norteamericano Bill Plympton.
Con un estilo cínico y trasgresor, el humor surrealista y descarnado de Plympton se plasma en historias descabelladas e imposibles, con bastante sexo y cierta violencia.
Lo último de lo último es ‘La vaca que quería ser una hamburguesa’ (2010): una historia de diez minutos -seleccionada a mejor corto de animación a los Oscar de este año- que cuenta la obsesión de esta hembra por convertirse en un trozo de carne, al estilo de McDonalds.
En definitiva, es sobre el poder de la publicidad y el sentido de la vida, en el que se pone a prueba hasta dónde puede llegar el amor de una madre por su hijo.
Plympton ha creado ilustraciones para The New York Times, Vogue, Rolling Stone o Vanity Fair. Además, es realizador habitual de las cortinillas de MTV, así como de varias marcas publicitarias.
No hace mucho rechazó una jugosa oferta de Disney porque sigue apostando por lo experimental y lo vanguardista, y sobre todo, por el cine independiente.
En 1983 realizó su primer cortometraje y posteriormente ha realizado 5 largometrajes y más de 30 cortos, siendo nominado en 1988 y 2005 a los Oscar en la categoría de mejor cortometraje de animación por ‘Your Face’ y ‘Guard Dog’ respectivamente.
Otro de tantos trabajos de Plympton -que no he visto todavía, pero que promete- es ‘Idiotas y Ángeles’ (2008).
Dicen que ‘Idiots and Angels’ nació de una idea sencilla: la de un ángel que no quiere sus alas, y pronto se convirtió en la historia de un hombre de vida rutinaria y algo de malicia que de la noche al día se convierte en un ser alado, capaz de volar.
Otro ejemplo de buen guión es ‘El ventilador y la flor’ (2005)– Un terrible destino y un inconsumado romance entre un ventilador y una mágica flor crea un final de cuento de hadas. Un atípico cortometraje de Bill Plympton. Escrita y porducida por Dan O’Shannon y con la voz en la narración de Paul Giamatti.
«Quería reivindicar el derecho que todo ciudadano debería tener a una muerte digna, sin entrar en ningún tipo de polémicas relacionadas con la eutanasia«
Película de ocho minutos de duración que fue nominada para los Oscar 2010 como Mejor Corto de Animación (convirtiéndose así en la primera producción de dibujos española en conseguirlo), aunque finalmente no se llevaría tal galardón.
Lo que sí logró fue el Premio Goya en esa categoría en 2009.
Trata del derecho a la muerte digna.
Una anciana, que vive sola en una zona rural y cuyo marido ha fallecido, está esperando que llegue la muerte para reunirse nuevamente con él. Cuando llega, por fin, y está a punto de entrar en el más allá para reencontrarse con su amado, se ve arrancada de las manos de la muerte por un médico petulante.
Se establece una feroz lucha entre médico y Muerte, a la que la anciana asiste atónita, que se salda con la victoria de la medicina. La muerte se retira, pero la anciana no está dispuesta a postergar más la reunión con su marido.
Una muy buena manera de presentar las contradicciones entre muerte-vida, moralidad-picaresca, deseo-displicencia.
REFLEXIÓN PERSONAL
No tengo miedo a la muerte, siempre lo he dicho. Si no al sufrimiento mío, y el de los que me rodean; el de los que me aprecian y me quieren.
Me aterra la sola idea de verme postrado en la cama de un hospital o verme reflejado en un espejo mientras el dolor invade cada centímetro de mi cuerpo.
Que los allegados sientan pena por mí. Nunca me gustó la compasión.
De llegar ese momento, a buen seguro que ya tendría bien aliviada el alma y solo restaría concentrar mis esfuerzos en firmar las autorizaciones pertinentes -si no lo hubiese hecho de antemano- para que un profesional de la medicina me administrase la dosis necesaria de sedante que ayudase a mi cuerpo a transitar dignamente su paso hacia la expiración.
Y este hecho, que es considerado incluso por la mayoría de religiones como un acto de humanidad con el fin de aliviar el padecimiento de los enfermos, es malinterpretado en ocasiones como una carta blanca con que afrentar la voluntad de Dios.
Otras veces es mal visto por aquellos que abogan porque se les reconozca el derecho a practicarse la eutanasia, como una aberrante e innecesaria prolongación del trance.
Como todo en la vida, en el término medio debemos encontrar la solución.
Hay que asumirlo cuando el desenlace se produzca de manera inexorable, cuando el avance de la enfermedad sea incompatible con la vida.
Nada podremos hacer al respecto, al menos, la ciencia no ha avanzado tanto como para convertirnos en inmortales.
No obstante, y aunque ya exista un protocolo médico ante situaciones de esta índole, la sociedad debe proteger al enfermo y aliviar su sufrimiento. No podemos abandonarlos a la buena de Dios como pretenden unos, ni apropiarse de su mano como anhelan los otros.
Lo cierto es que llegados a este punto, nos encontramos con una disyuntiva moral de difícil resolución, y que solo una ley puede regular para salvaguardar los intereses médicos y beneficiar a los pacientes.
Está plenamente constatado que la sedación terminal acorta la vida, y esta aseveración es utilizada por un sector de la sociedad para arremeter contra este proceder en cuidados paliativos, llegando incluso a tachar a los profesionales sanitarios de practicar deliberadamente la eutanasia.
Por otro lado, nos encontramos con que los protocolos estandarizados de la Sociedad Española de Cuidados Paliativos, y que son aceptados con carácter general por todos los estamentos, solo ofrece recomendaciones a los responsables facultativos y pueden dar lugar a enfrentamientos éticos entre las partes por una interesada interpretación de las mismas.
Sea como fuere, haría bien el gobierno sin que le ardan las prisas- pero tampoco le quemen las pausas- en promulgar una ley que regule la ortotanasia (del griego orthos: ‘recto y ajustado a la razón’; y thanatos: ‘muerte’) en todos y cada uno de sus procesos.
Legislando de manera clara conceptos tan confusos y controvertidos en la actualidad como puede ser el consentimiento.
A falta del expreso deseo del paciente, el médico puede encontrarse con la negativa familiar a la administración de sedación terminal.
Y el recurso último de proceder a efectuarla por recomendación implícita, no parece el más adecuado porque deja al sanitario en absoluta indefensión. De ahí la necesidad de una normativa regulatoria que garantice los derechos del paciente, familiares y profesionales de la medicina.
Yo y sólo yo, preferiría recibir a la muerte en estado de profunda inconsciencia que padecer el sufrimiento inmoral de la enfermedad.
«NO CONOCES A JACK»
‘No conoces a Jack’, es un telefilme de la cadena americana HBO, que pronto se ha convertido por derecho propio en un clásico de la militancia por la libertad de elección y conciencia en bioética.
«A pesar de ser tan famoso y fascinante, no sabemos quién es Jack Kervokian y, con suerte, en la película tampoco lo vas a terminar de conocer”, sostiene un críptico Al Pacino, el actor protagonista que encarna al popular “Dr. Muerte”.
La historia está basada en el caso real del Dr. Kevorkian, un médico anátomo-patólogo, de ascendencia Armenia.
Logró popularidad nacional e internacional, como defensor del “suicidio asistido médico”. La eutanasia (literalmente: el bien morir), es el tópico que se instala en la pantalla. Asistiendo a más de 130 de estas conductas de bioética aplicada, se transformó en un adalid de los derechos a morir con dignidad, en pacientes terminales.
Tal y como escribió en su diario la artista Frida Kahlo, antes de morir postrada en su cama: «Espero alegre la salida y espero no volver jamás».
((hacer click sobre la foto para ver el vídeo))
De lo que se trata es de vivir con plenitud, amando y dejándose amar mientras puedas.
Luego, uno ya sabrá lo que hacer.
Un buen lema sería vive y deja morir, con dignidad.
Artista polifacética: actriz, directora de cine, productora, compositora y guionista, pero -sobre todo- cantante.
Una mujer del siglo XX que, como Cher, Frida Kahlo o Björk, ha demostrado su valía, su autenticidad y su singularidad. En definitiva, eso que se llama ser único.
Judía de pensamiento y su perfil aguileño la han caracterizado desde que comenzara sus primeros pinitos en el mundo cinematográfico, allá por los años 60.
Es la mujer que ha vendido más álbumes en la historia y la que ha situado más discos entre los diez primeros, por encima de Elvis Presley y The Beatles.
A lo largo de su carrera, Streisand ha conseguido 50 discos de oro, 30 de platino y 13 multiplatinos.
Vamos, que casi nada se le ha resistido.
Ha ganado dos Oscar (Mejor Actriz y Mejor Canción), cinco Emmy, 11 Golden Globes, 10 Grammy y 1 Tony.
Además tiene el premio American Film Institute a toda una carrera, la medalla Nacional de América de las Artes y la Legión de Honor francesa.
En diciembre de 2008 fue la primera mujer directora en recibir el prestigioso Kennedy Center Honor.
SUS COMIENZOS
En marzo de 1962, el musical ‘I Can Get It for You Wholesale’ supuso el debut en Broadway de Barbra Streisand con tan solo 19 años; quien fue nominada al Premio Tony de teatro como mejor actriz de reparto -que no consiguió- pero sí, el prestigioso New York Drama Critics’ Circle Award.
La historia se sitúa en Nueva York en 1937, durante la Gran Depresión, y las canciones utilizan las armonías tradicionales judías evocadoras del periodo en el que se localiza el espectáculo.
Goddard Lieberson, productor y presidente de la Columbia Records, quedó tan fascinado con Barbra por su trabajo en teatro, sus intervenciones en televisión y sus actuaciones en clubes, que cedió a la presión de su mánager Marty Erlichmann (todavía hoy es su representante), en la única cláusula que importaba a Barbra: «absoluto control artístico»sobre la elección del material musical, algo sin precedentes hasta ese entonces en la industria discográfica.
The Barbra Streisand Albumes el título del álbum de estudio debut de Streisand en solitario.
Editado en febrero de 1963, contiene once temas de los que solía interpretar en los clubes nocturnos.
‘Happy Days Are Here Again’fue su primer single, un clásico; al igual que ‘Cry me a River’, ‘He touched me’:
En junio de ese mismo año, grabó The Second Barbra Streisand Album que llegó al número 2 de Billboard. Continuó con la fórmula de grabar principalmente temas de su repertorio de actuaciones en directo.
En enero de 1964, ya metida de lleno en los ensayos de Funny Girl, grabó The Third Album.
El filme «Funny Girl»(de Jule Styne) fue un éxito rotundo desde el momento de su estreno el 26 de marzo de 1964.
Uno de los musicales más populares de la historia del cine, relata los primeros años en la carrera de la actriz cómica Fanny Brice, un papel por el que Barbra Streisand consiguió el Oscar a la Mejor Actriz en 1968, compartiéndolo con Katharine Hepburn por «El león en invierno» (Lion In Winter).
La primera vez en la historia que se producía un empate en esta categoría de los premios.
Fanny obtuvo su primer gran éxito en el Keeney’s Music Hall; gracias a su divertido debut como una de las patinadoras del coro. Un años después empieza a trabajar en el famoso Follies, donde se convertirá en una estrella, enamorándose de Nick Arnstei, un jugador empedernido sin demasiada suerte. Entre los muchos números musicales de la película que perduran en la memoria está ‘People’, un tema clásico de Barbra Streisand.
Para hacerse una idea del alcance de su éxito, Barbra fue portada de las revistas más aclamadas del momento: TIME y LIFE.
La obra se mantuvo en cartel con Barbra como protagonista durante casi dos años.
Con este trabajo, obtuvo 3 premios Grammy, entre ellos el de Mejor Interpretación Femenina.
Desde entonces, Barbra, no ha vuelto a actuar en ninguna otra obra de teatro.
En octubre de 1964, se editó ‘People’.
El álbum fue su primer número 1 en USA, desbancando a los Beatles y manteniéndose en esa posición durante 5 semanas.
TELEVISIÓN y MÁS DISCOS
Barbra había aparecido innumerables ocasiones en programas de televisión entre 1961 y 1963, a veces como cantante y otras como excéntrica tertuliana.
La última vez que apareció como cantante fue en octubre de 1963 en The Judy Garland Show. Unas interpretaciones y unas colaboraciones con Judy que dejaron huella en este medio. Sorprendentemente, y por primera vez en la historia, una artista invitada fue nominada al Emmy por la Mejor Interpretación de Variedades.
Su primer especial de televisión para la CBS fue My Name is Barbra en 1965; programa que catapultó su éxito a escala nacional, dándola a conocer como cantante y actriz, proporcionándole más reconocimiento de crítica.
En este disco se incluye una extraordinaria versión de ‘My Man’.
En marzo de 1966 se emite ‘Color Me, Barbra’, siguiendo la fórmula de ‘One Woman Show’, alcanzando un éxito igual al de su predecesor. El álbum llegó al número 3 de las listas de éxitos.
ESTRELLATO CINEMATOGRÁFICO
Tras «Funny Girl» (1968), al año siguiente Barbra Streisand protagoniza uno de los más grandes musicales de todos los tiempos: «Hello, Dolly».
A partir de un guión de Jerry Herman y dirigida por Gene Kelly, Barbra Streisand protagoniza otro de los más grandes musicales de todos los tiempos.
En Nueva York de principios de siglo, Dolly es la irresistible celestina que no se detendrá hasta asegurar su futuro con el más rico comerciante.
Esta superproducción cuenta con el vestuario de Cecil Barton y las inolvidables canciones de Jerry Herman.
LA BARBRA MODERNA
En 1969 funda, junto a Paul Newman y Sidney Poitier, la productora FIRST ARTIST, con el objeto de garantizar la realización de proyectos que los grandes estudios hubieran rechazado. En 1971 se unió Steve McQueen, y en 1976 Dustin Hoffman.
En febrero de 1970 se editó Barbra Streisand’s Greatest Hits que sólo alcanzó el puesto 32.
Para entonces, los gustos musicales habían cambiado drásticamente y Barbra ya no estaba vendiendo discos aunque, estaba trabajando en su transformación…
Su cuarta película, «The Owl and The Pussycat»(1970), fue su primer papel «contemporáneo» y no musical en el cine.
En 1972 protagoniza junto a Ryan O’Neal la alocada comedia de Peter Bogdanovich «¿Qué me pasa, doctor?» («What’s Up, Doc?»), que se ha convertido en un clásico de las comedias americanas.
Judy (Barbra Streisand) y Howard (Ryan O’Neal) se encuentran en el hall de un hotel de San Francisco portando idénticas bolsas de viaje. Para mayor confusión, otros dos huéspedes del mismo hotel viajan con las mismas maletas. Las cuatro maletas se confunden estallando un divertidísimo caos que incluye una de las persecuciones por San Francisco más divertidas jamás filmadas.
Su trabajo en 1973 en el drama romántico «Tal como éramos» («The Way We Were») junto a Robert Redford y dirigida por Sydney Pollack le proporcionó un gran éxito de crítica y una segunda nominación al Óscar.
La estupenda banda sonora de Marvin Hamlish alcanzó el número 20, y el álbum -publicado en febrero de 1974 con el mismo título y con temas de Stevie Wonder, Carole King, Paul Simon y Michel Legrand- catapultó a Streisand nuevamente hasta el número 1.
En 1975 presenta «Funny Lady»(secuela de «Funny Girl»), junto a James Caan, y dirigida por Herbert Ross.
«Ha nacido una estrella» se convirtió en la película más taquillera en la carrera de Streisand como protagonista.
Fue la segunda película en el Box Office de ese año, después de «Rocky».
El film mostraba a una Streisand sexy y moderna además de tener un control sin precedentes detrás de la cámara como productora ejecutiva.
Barbra recibe su segundo Óscar, esta vez como compositora de ‘Evergreen’ como Mejor Canción Original, convirtiéndose en la primera mujer en la historia en recibir este premio.
GUILTY
En septiembre de 1980, publicó un álbum de estudio titulado ‘Guilty’.
El disco fue un extraordinario éxito musical y de crítica, que alcanzó casi instantáneamente el #1 en Estados Unidos y en todos los países en donde fue lanzado.
Fue certificado con cinco discos de platino en EE.UU y ha vendido más de 20 millones de copias en todo el mundo, siendo el disco más vendido en la carrera de Streisand.
En 1981, ganó junto al cantautor Barry Gibb -integrante del grupo Bee Gees- el Premio Grammy a la mejor actuación de un dúo o grupo pop por el sencillo homónimo.
El primer sencillo fue ‘Woman in Love’, el sencillo más exitoso de toda su carrera, que llegó a la posición #1 de Billboard Hot 100, donde se mantuvo durante tres semanas.
Curiosamente, Barbra nunca ha interpretado este tema en directo.
El álbum también incluye otros sencillos que se convirtieron en éxito en Estados Unidos y otras partes del mundo, como ‘What Kind of Fool’, que interpretó a dúo con Barry.
Desde 1980, Streisand, estaba inmersa en la preproducción de «Yentl».
El año siguiente no tenía tiempo de grabar ningún disco. Mientras estaba en Londres preparando su debut detrás de la cámara, grabó la canción ‘Memory’ de la famosa obra musical ‘Cats’ y ‘Comin In And Out Of Your Life’.
Ambos temas solamente llegaron hasta el número 18 de las listas, pero ‘Memory’ se ha convertido con el tiempo en un clásico de Streisand aunque ha sido interpretado por multitud de cantantes.
En 1982, el crítico del New York Times, Stephen Holden, escribiría que Streisand era «la cantante más influyente en la música americana desde Frank Sinatra«.
YENTL
En 1983 produjo, dirigió, escribió y protagonizó «Yentl«. Sin duda, la obra maestra -según mi opinión- de Barbra Streisand en toda su carrera cinematográfica.
«En una época en la que el mundo académico estaba reservado exclusivamente a los varones, vivía una joven llamada Yentl…» Sobre esta premisa se basa esta bella fábula de amor.
La película está ambientada en Europa del Este a principios del siglo XX.
Yentl, es una joven inteligente y decidida que se ve obligada a hacerse pasar por un chico para satisfacer su amor por el conocimiento, y que acaba conociendo así un nuevo tipo de amor…
La pasión de Streisand por el proyecto es evidente en cada toma, realzada por una dirección artística de lujo que mereció una nominación para el Oscar, por una magnífica fotografía y por la vibrante interpretación de Streisand del tema musical, galardonada con un Oscar a la Mejor Canción.
Steven Spielberg calificó «Yentl» de obra maestra: uno de los debuts más dinámicos en la dirección desde el «Ciudadano Kane« de Welles«.
Y muchos críticos alabaron la película, pero la Academia ignoró a la nueva directora a la hora de las candidaturas a los premios Óscar más importantes.
Años después, en 1991 se produjo una gran controversia cuando «El príncipe de las mareas» («The Prince of Tides») obtuvo siete candidaturas para varias categorías, incluida la de mejor película y, sin embargo, Streisand no fue nominada como mejor directora.
Algunas opiniones lo achacaron a su bien conocido temperamento duro e intransigente, mientras otros pensaban que Hollywood la castigaba por ser mujer, ya que de haber sido hombre, incluso con el mismo temperamento, se lo hubieran concedido.
Desde entonces, ha protagonizado tres películas más.
SIGLO XXI
Streisand ayudó considerablemente a Bill Clinton a llegar a la presidencia involucrándose como nunca recaudando fondos para la campaña electoral. Barbra Streisand fue la piedra angular en la gala inaugural el 20 de enero de 1992.
En septiembre de 1993, Streisand fue el centro de las noticias en el mundo al anunciar su primer tour en 27 años.
Los tickets para este tour limitado se vendieron en una hora. Esto hizo que Barbra fuera portada de las revistas más conocidas. La revista Time llegó a calificarlo como «el evento musical del siglo».
La gira fue una de las más rentables en la historia del mundo del espectáculo. Los precios oscilaban entre los 50 y los 1.500 dólares, convirtiendo a Barbra en la intérprete mejor pagada en la historia. Barbra Streisand: The Concert consiguió 5 premios Emmy; la grabación del concierto ofrecido por la cadena HBO es, hasta hoy, el concierto más visto en los 30 años de historia de esta cadena.
Estuvo casada con el actor Elliott Gould de 1963 a 1971, con quien tuvo su único hijo, Jason Gould (que hace el papel de su hijo también en «El Príncipe de las Mareas»). En la actualidad, y desde 1998 está casada con con el actor y también director James Brolin.
En 1993, Barbra Streisand cumple uno de sus máximos sueños al grabar una canción a dúo con Frank Sinatra: ‘I’ve Got a Crush on You’, para el disco Duets del veterano cantante, que se convertiría en su mayor éxito de ventas.
En la Nochevieja de 1999, volvió al escenario para dar el concierto con más recaudación en la historia de Las Vegas.
En septiembre de 2000, Streisand anunció que se retiraba de los conciertos dando cuatro últimos espectáculos, dos en Los Ángeles y dos en Nueva York.
Cuatro años más tarde, Streisand reapareció en la gran pantalla coprotagonizando la comedia «Los padres de él», con Dustin Hoffman, Ben Stiller y Robert De Niro.
En febrero de 2006, Barbra grabó la canción ‘Smile’ junto con Tony Bennett en el estudio de grabación que la artista tiene en su casa de Malibú.
La canción formó parte del álbum por el octogésimo cumpleaños de Bennett.
Y, lo último de lo último en hacer en el panorama musical fue hace poco más de un año.
En septiembre de 2009 publica ‘Love is the answer’, un álbum producido por Diana Krall y en el que recoge grandes clásicos del jazz.
Lo que se ha visto y se ve viendo es que la estela de Barbra Streisand sigue vigente.
En septiembre de este año, el magazineHarper’s BAZAARofrecía en portada una retrospectiva de la vida y obra de la artista.
La ex de Brad Pitt, Jennifer Aniston, se confesó una «súper fan» de Streisand, así que no necesitó muchos ruegos para imitar a uno de sus grandes ídolos.
Para obtener la inspiración necesaria, Aniston, de 41 años, aseguró que durante la sesión fotográfica estuvo escuchando una de las canciones más míticas de de Barbra, ‘People’.
En las imágenes, se puede ver a Aniston con trajes inspirados en el vestuario de dos de las películas más reconocidas de la gran actriz, Una Chica Divertida y¿Qué Me Pasa Doctor?.
Además, aprovechó su amistad con Streisand, de 68 años, para conocer un poco más de cerca a la actriz e inspirarse: «Es increíble, puedes hablar de lo que sea con ella».
Este mismo fin de semana, la artista neoyorkina acaba de presentar su primer libro. Pero lo que cuenta allí no es la historia de cómo se convirtió en la estrella de «Funny Girl» y ‘The Way We Were’; ni tampoco en cómo ha conseguido vender más de 71 millones de copias en toda su carrera musical.
En su debut como escritora, en cambio, eligió narrar su amor por la arquitectura, el arte, los muebles y el paisajismo.
Pero no hay que dejarse engañar por el título, My Passion for Design (Mi pasión por el diseño).
Y es que entre las páginas del libro la actriz cuenta historias de su vida y su carrera que la influenciaron al idear la casa de sus sueños en Malibu, California.
«Muchas personas me pedían que escribiera mi autobiografía, pero todavía no quiero llegar hasta ahí y ser tan personal. Creo que se entremezcla en mi escritura. Así es como veo el mundo hoy, y lo que es hermoso para mi».
En los Premios Grammy de 2011. Un reconocimiento a toda su carrera musical.
Ésa es la premisa que se propuso el ayuntamiento de Vitoria-Gasteiz a principios de 2009.
Y se lo ha tomado en serio. Y es que acaba de ponerse en marcha el Film Office, una iniciativa audiovisual que busca proyectar la imagen de la capital alavesa dentro y fuera de nuestras fronteras para atraer hasta sus calles el rodaje de series y películas.
No podía ser que Vitoria -recién nombrada como Capital Verde Europea 2012-, plató natural de decenas de producciones estatales e incluso internacionales, careciera de lo que sí poseen varias ciudades del Estado y de la Unión Europea: un organismo público dedicado en exclusiva a vender las virtudes de su ciudad facilitando los tediosos trámites que se derivan de las producciones audiovisuales.
El objetivo es triple: fomentar el rodaje, impulsar la actividad económica y el turismo en la ciudad en general, y añadir un ingrediente más al proyecto de transformación de la almendra medieval.
Ahora es más común que una cinta se haya producido en la provincia, que una firma autóctona haya trabajado en su sonorización, o que haya creado sus efectos especiales.
Dar con un filme así, ‘made in Álava’, no es ya ciencia ficción.
En el territorio funcionan hoy «unas 30 ó 35 empresas audiovisuales pequeñas y unas 6 ó 7 relativamente grandes que pueden llegar a facturar varios millones de euros anuales», calcula Fernando López Castillo, director de la Vitoria Film Office abierta hace un par de semanas.
SILVERSPACE
Precisamente, a mediados del mes de octubre, la productora alavesa SILVERSPACE presentaba en Gasteiz su última producción animada: «Daisy Cutter (la cortadora de margaritas)». Cuenta la historia de una niña -Zaira- quien vive la injusticia de una guerra con la perspectiva que le permite su tierna e ingenua mirada.
Calidad en estado puro, y cuyos responsables –Rubén Salazar y Enrique García– han logrado colar por ahora en un festival irlandés y en el Zinebi bilbaíno.
Sin embargo, cuando unieron su saber hacer y sus ganas de crear no eran conscientes del futuro de reconocimientos -como la preselección para los Óscar 2008 con el corto de animación «Perpetuum Mobile»– que les aguardaba.
18 han sido los galardones recibidos hasta el momento por su corto en diferentes certámenes internacionales.
La película -que también estuvo nominada a los Goya 08- relata la historia de un alquimista del siglo XV, obsesionado con la búsqueda del movimiento perpetuo, antecesor de Leonardo da Vinci.
Sus fundadores compitieron con cortos hechos en casa tan buenos como «La Dama y la Muerte» (del andaluz, Kandor Moon).
O «Alma» (de Rodrigo Blaas).
Dos pesos pesados de la animación.
IMIRA ENTERTAINMENT
Más de noventa países han disfrutado de las andanzas de «Lola y Virginia», las protagonistas de la serie infantil homónima ideada en IMIRA ENTERTAINMENT.
Su producción se realizó en la capital alavesa antes de que la firma se instalara en Madrid, donde nació la también exitosa ‘Sandra, detective de cuentos’, en busca de profesionales de la animación. Pero allí confirmó que «no hay personal cualificado. Necesitamos gente que sepa dibujar y que controle la tecnología -utilizan el programa Harmony-, y encontrar a alguien que domine los dos campos es complicado», explica Myriam Ballesteros, una de las socias de la empresa, de vuelta a Vitoria.
Sus trabajos llevan la firma de dibujantes filipinos, irlandeses, canadienses… que ahora se concentran en dar vida a Brains, Fred y el robot Friday, los personajes de la comedia «Lucky Fred», que podría llegar a televisión en 2012.
Pero no todo es animación.
DOS HOMBRES Y UN DESTINO: EL SÉPTIMO ARTE
Los directores Nikolas Ocio y Paul Urkijo aparecen, por ahora, como los últimos vitorianos en plasmar su talento a través de dos cortometrajes que, eso sí, se encuentran en fases muy diferentes.
El primero inició el rodaje de su ópera prima, bajo el título provisional de «Barkatu», hace un mes en la capital alavesa. Y donde se retrata en blanco y negro una historia ambientada en los años 50 y con tintes policiacos en la que participa su paisana Carmen San Esteban.
En cambio, la grabación de la cinta «Jugando con la muerte» de Urkijo, producida por el televisivo Christian Gálvez (recientemente casado con la gimnasta alavesa Almudena Cid), finalizó hace ya tiempo y con margen suficiente para presentar su particular humor negro a mediados de octubre en la sección oficial del 43º Festival de Cine Fantástico de Sitges.
¿Su protagonista? El genial actor gasteiztarra, Txema Blasco.
Lo que parece es que el avance de producciones vascas va viento en popa.
Talento no falta.
Aunque todavía hoy el 90% de los proyectos cinematográficos se los lleven Madrid y Barcelona, sin embargo Vitoria esconde una ventaja en su propio carácter que le permite aportar hoy una larga lista de empresas a la industria audiovisual gracias a que no es tan dada a exhibirse como otras, pero hace cosas.
Al estilo Hollywoodiense, como sólo él sabe, apareció Almodóvar de esta guisa el pasado domingo en la gala de los Goya 2010. No sé si creerme su puesta en escena, pero bueno…Reprocharle o no, no me corresponde; pero añadiré que se me escapa de las manos saber por qué razon estuvo molesto con la Academia de Cine Española durante tanto tiempo. Bueno, sí, exactamente seis años por desavenencias, se me ocurren, dispares con el Ente cinematográfico por no ser premiado.
El bilbaíno, Alex de la Iglesia, mucho más delgado -por cierto- parece que le coló un buen argumento para que acudiera a la ceremonia. Y es que, tal como el mismo protagonista reconoció esa noche, cómo podía decir no cuando el próximo 7 de Marzo acudirá a los Oscar´s con su musa, Penélope Cruz.
Sigo incrédulo ante este paripé que pareció, a pesar de los elogios que recibió. Démosle un ápice de verosimilitud a su discurso de cuatro minutos, y dejemos de lado la duda. Aunque, como decía Oscar Wilde: «Hablan mucho de la belleza de la certidumbre como si ignorasen la belleza sutil de la duda. Creer es muy monótono; la duda es apasionante.»
La contaminación ha llegado a todos los rincones del planeta y el ser humano es el principal responsable.
Retazos del Mundo 
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